雅典雙年展

第二屆雅典雙年展策展人名單宣布。公共空間的表演干預和多重視覺藝術項目，將由 Dimitris Papaio Dimitris Papaioannou和 Zafos Xagoraris annou和 Zafos Xagoraris策展。展覽，裝置，公共參與，放映，座談會等項目將由 Nadja Argyropoulou, Diana Baldon, Christopher Marinos, Chus Martínez和 Cay Sophie Rabinowitz負責。2009年，雙年展的策展團隊將保持他們的自主性，創造性地加強相互聯繫和凝聚力，場館由建築師藝術家 Andreas Angelidakis設計。

基本介紹

• 中文名：雅典雙年展
• 外文名：雅典雙年展
• 場館設計師：Andreas Angelidakis
• 策展者1： Zafos Xagoraris
• 策展者2： Dimitris Papaio Dimitris 

年展介紹

波蘭前衛劇場導演╱行動藝術家坎陀（Tadeusz Kantor）的《全景海邊行動演出》波蘭前衛劇場導演╱行動藝術家坎陀（Tadeusz Kantor）的《全景海邊行動演出》 第二屆「雅典雙年展」（AthensBiennial）主展場設於雅典市為2004年奧運所興建的複合建築群之一——艾斯普列納德（Esplanade），展覽由該建築物延伸到法里羅灣（Faliro）的濱海區域，蜿蜒漫布在愛琴海沿岸。雙年展在此設定主展場並非偶然，風光一時的2004年雅典奧運飽受國際及本土抨擊，希臘投入了30多億歐元興建的奧運主場館及周邊20多個複合體育場館，自落幕以來便一路閒置至今。這場被抨擊為人類史上最浪費的運動賽事，並沒有為雅典完成城市再造的夢想，或預期中的額外觀光收入，反倒是帶給雅典市政府每年超過1億歐元維運體育館群的昂貴帳單。如同雙年展發起人之一的澤納科斯（AugustineZenakos）所述：「這塊建築聚落及眼前所見的荒蕪土地，像是個巨童曾經試圖用積木打造一個自己的天堂，蓋到一半別的趣事發生，他開始感到無聊，接著就終止了這場遊戲。」

在這樣的文化地理脈絡下，第二屆雅典雙年展主展館周邊其實是人煙罕至的區域，對觀光客或當地居民而言，這個地方是個死寂的城市角落。甚且在主展館外，還可見到路旁的塗鴉寫著：「這個天堂需要觀眾」。但除去這些因素，展場全日開放長達12小時，導覽工具則是包含動、靜態影像及文字資料的iphone，臨時展場的空間規畫也極度專業，種種細節顯示出了主辦單位的用心。

年展主題

雅典城以古希臘文明遺蹟及蔚藍愛琴海美景聞名於世，然而近400萬人口的雅典市至今仍沒有一個公立的當代或現代美術館空間，只有一處美術館臨時組織，遊牧式地在不同地點舉辦展覽。然而雅典當代藝術工作者的熱情從未因此消減，第二屆雅典雙年展以「天堂」（Heaven）為主題，邀請了六位策展人策畫了六個展覽，共100多位藝術家參與，如此龐大的展覽規模竟是由XYZ（卡爾葩科索格勒(XeniaKalpaktsoglou)、波卡–伊歐(Poka-Yio)及澤納科斯）三位獨立策展人自立創辦的組織所發起籌辦，雙年展所有的策畫、聯繫、募款、組織及教育工作皆由一個十人團隊所完成，展現了藝術專業工作者的驚人效率。不採取委任「明星策展人」的模式，而是聘任六位年輕但頗具知名度的歐洲新進策展人，分別策畫主題展，這或可視為一種新型態的靈活思考，除了在組織架構上彈性有效，每位策展人也能夠運用自己原有的資源（包括藝術家與贊助管道），除能分散龐大展覽隨之而來的經費壓力，與藝術家的溝通及作品執行上也較超級大展更為細膩精緻。

藝術風格

雅典雙年展的六個展覽中，由希臘藝術家札哥拉里斯（ZafosXagoraris）與跨領域創作者帕派歐努（DimitrisPapaioannou，畫家、漫畫家、編舞家及舞台設計，2004年雅典奧運閉幕式藝術指導）所策畫的「天堂現場」（HeavenLive），借用了波蘭前衛劇場導演╱行動藝術家坎陀（TadeuszKantor）的藝術表演《全景海邊行動演出》（PanoramicSeaHappenings）做為策展概念參考。「天堂現場」的展場分布在法里羅（PalaioFaliro）長達三公里左右的沿岸，策展團隊原先的展場設計是固定式的岸上舞台，然而在思考了觀眾與表演者之間的互動關係後，改為漂浮在岸邊的臨時劇場。海邊的泳者可以攀上這個浮動劇場，成為座談或活動的參與者（或演出者），岸邊觀眾、海中戲水者、往來車輛、台上表演者形成了交錯重疊的凝視關係，海洋本身也成為場景的一部分。在《全景海邊行動》的演出中，坎陀站在海中，指揮洶湧的海浪「演奏」交響曲，岸邊的觀眾坐在潮浪中，演出者（海浪）及指揮與觀眾幾乎成為一體。這也呼應了策展人所說的，「天堂現場」的參與者有著共同目標，希望透過展覽計畫建立一種社會連結，這個連結將體現與建立在當地人、團體、組織、過客及展覽參觀者之間的關係上。

反抗行動

「天堂現場」的參展藝術家包括曾經來台的芬蘭藝術團隊YKON、丹麥藝術團體Superflex、2008「台北雙年展」的NSKState、代表波蘭館參加2008年「威尼斯雙年展」（LaBiennalediVenezia）的藝術家沃迪克（KrzysztofWodiczko），以及「一個建築」（AnArchitektur）等20多個藝術家╱團體。展覽作品全數於公共空間展出，其中多為社會介入的計畫，包括現場演出、工作坊、論壇、大型投影以及戶外裝置等。如希臘藝術團體「吠犬聯合」（BarkingDogsUnited）運用海邊常見的遮陽傘排成一個巨大的「出售」（FORSALE）字樣，點出法里羅沿岸休閒用地歷經私有化，再度重回公共空間的議題。2002年創立的柏林實驗團體「一個建築」，以反資本主義空間做為理念的集結，號召由勞動者、運動者及使用者參與空間改造的過程，提出激進民主（由使用者而非規畫者決定空間規畫）及反抗建築（oppositionalarchitecture）的概念，並以雜誌、工作坊、展覽等實踐，反抗社會性空間的剝奪、不均及破壞。在「天堂現場」中，他們舉辦了「後資本空間：共通性的意義」（TowardsPost-CapitalistSpaces:OntheMeaningofCommons）座談與工作坊，討論一些限制資本主義積累邏輯的微型實驗，並分析在後現代社會中歧異價值成為主流的此刻，共通性在不同的歷史情境中的意義，以及其共通性這個概念如何在後資本空間中發揮其潛力。而其他參展藝術家還包括1970年代成立，引領蘇聯概念藝術浪潮最重要的藝術團體「集體行動」（CollectiveActions）等。

美國藝術家李．拜亞（JamesLeeByars）1969年的表演藝術《世界問題中心》（TheWorldQuestionCenter），要求知識分子、藝術家、科學家及醫生，各自以淺白的英文提出一個對自己知識發展積累最關鍵的問題。西班牙巴塞隆納當代藝術館（Museud'ArtContemporanideBarcelona）主策展人馬丁內茲（ChusMartinez），在本次雙年展所策畫的同名展覽「世界問題中心」援引了李．拜亞的概念，要求每位參展藝術家以自己的語彙提出一個作品、假設及問題，馬丁內茲認為，好的問題往往比已知的答案更重要，即便不能回答的問題往往令人不快——但它能為連續不破的現狀製造一個斷裂，並標示著探索未知旅程的起點。他同樣希望，這個展覽的作品創作與呈現不是策展人獨斷詮釋的「後製作」，或是對當代藝術的綜觀回顧，而是呈現眾多當代藝術議題中的一小部分，是藝術體制與美學論述的一段過程，提供觀眾與藝術家未來發展新的、不同的作品詮釋的可能性。

重新詮釋

活躍的年輕格拉斯哥藝術家法勒（LukeFowler）於此展出了《所見即所在》（WhatYouSeeisWhereYou'reAt），他重新剪接1965至1969年在東倫敦的金斯立廳（KingsleyHall），所進行的精神治療實驗遺留下來的聲影紀錄，以新的敘事方式「還原」當時住在其中的病患及主導該實驗的精神學家、作家連恩醫生（R.D.Laing）的日常生活及對話。1965年連恩醫生與他所謂的「終生病患」共同搬入金斯立廳長達五年，唯二的共同生活守則是「抓到就是你的」以及「沒被禁止的都可以做，可以做的就是沒被禁止」。這場非正統精神治療實驗，打破了傳統醫病關係中醫生的權威角色，醫生與病人在緊密相處的日常生活中，一同探索「瘋狂」的意義，以及它與社會傳統、家庭的關係。

西班牙藝術家加希亞（DoraGarcía）的錄影作品《就算情況不同，也不代表任何事改變了》（JustBecauseEverythingisDifferent,ItDoesNotMeanThatAnythingHasChanged），以美國脫口秀喜劇演員布魯斯（LennyBruce）因1962年在雪梨的一場演出脫口對觀眾說出髒話，自此再也不能入境雪梨表演的故事為文本，加希亞在片中重建當時的現場，找來喜劇演員完成了布魯斯當年未竟的這場脫口秀。這件作品對藝術與機構、觀眾之間的關係進行提問，延續了加希亞作品對公共空間、大眾的持續探討。該作在2008年曾展出於「雪梨雙年展」（SydneyBiennale），藝術家巧妙地讓作品文本與發生場域重建了一層新的脈絡關係。除了加希亞與法勒的作品外，哈勤勤（NataschaSadrHaghighian）的互動作品《無感帝國II》（EmpireofSenselessPartII），則探討了社會的再現與排拒機制，什麼樣的人在什麼條件下獲準成為文明社群中的成員，而其聲音、影像及關注如何被承認與接受？藝術家設定了一前一後兩個螢幕，觀眾必須以自己的身體阻擋後設螢幕的光源，才能清晰的看見面前螢幕閃過的字句，而字句的素材則是取自女性主義小說家艾可（KathyAcker）的小說《無感帝國》（EmpireoftheSenseless）。

不破不立

其他四個主題展覽還包括了「直路消失」（FortheStraightWayisLost）、「燦爛的孤離，雅典」（SplendidIsolation,Athens）、「飯店樂園」（HotelParadise）、「多少天使能在針尖上跳舞？」（HowmanyAngelscanDanceOntheHeadofaPin?）等。此外，雅典雙年展的連結對象相當廣泛，包括雅典市的十多家畫廊、最重要的私人當代美術館DESTEFoundation，以及近20個當地與國際的策展人、藝術家、NGO團體都在雙年展期間同步舉辦周邊活動。其中最主要的周邊計畫為展前就起跑的「重繪地圖2」（Re-map2），其地點選在雅典市中心熱鬧的KM區域（KerameikosandMetaxourgeio），展區高達22個，包含了近20個獨立項目，由國際與雅典當地的藝術家、策展人共同執行，以及「仲夏夜之夢」——包括戴勒（JeremyDeller）在內的20多件錄影作品露天放映，另還有雅典建築與設計團隊Ø16工作坊（Ø16Workshop）所策畫的「游擊玩樂場」——搭建的臨時遊樂場，提供當地居民與學童互動嬉戲。

從第一屆的「毀滅雅典」（DestroyAthens）到第二屆的「天堂」建造，雅典雙年展展現了一種不破不立的強烈企圖，向國際宣示，他們要將雅典的城市形象由古典帶往當代。它同時也展現出一種獨特的活力與精神，從組織型態而言，它是一個全然由民間獨立發起、政府及企業贊助（也包括參與的藝術家與策展人投入的資源）的自主組織單位所製作，專業而有效；就展出場地而言，在一個當/現代美術館付之闕如的城市中，展場並未因此形成游擊式的凌亂或簡陋；相反地，藉由每次不同場地的歷史脈絡，雙年展凸顯了城市自身的發展規畫議題，讓展覽能夠從一個批判性的角度探討雅典市本身，而非單純的美化或奇觀化這個城市。再思考民眾參與的面相，它並未淪入民粹式的喧鬧，而是試圖反省人與公共空間的關係，及個體與團體之間的實質連結。這或許是一個有趣的範例，當我們思考雙年展做為一種城市「行銷」的手法；或許它更是一種新的方法論，讓我們重新思考城市做為一個議題，及人與城市之間的關係。